「S」と一致するもの

　ele-king 28号のブラック・ミディのインタヴューは読んでくれましたか？　彼らが何ものなのか、ほかと何が違うのかがよくわかる内容になっているので、ぜひ！　で、その取材でもメンバー3人ともが自信満々に語っていた3枚目のアルバム『Hellfire』から先行リリース第二弾の曲“Eat Men Eat”のMVが公開されました。多彩なパーカッションからすさまじい叫びまで駆け上がります。曲の終わりの奇妙なレイヤーは、ファンから送られてきたものによって構成されているそうです。まずはこの規格外サウンド楽しみましょう。新作のリリースと来日ライヴを待ちましょう。

black midi - Eat Men Eat

　テクノ界のリジェンド、マイケル・パラディナスの傑作のひとつ、『Lunatic Harness』の25周年記念盤が、ヴァイナルでは4枚組、CDでは2枚組の特別仕様でリリースされる。同作は90年代のパラディナスの遍歴が凝縮され、そして頂点に達したと言える作品、ここにはブレイクビーツ、ドリルンベース、あるいはラウンジからブレイクコアやガバまで、さまざまなスタイルが脈絡なく結合されている。いわゆるIDM作品で、いま聴くと時代を先走っていたことがわかります。
　オリジナル盤の13曲に加えて、この時代のシングル収録の曲やリミックスやデモ曲などが追加されて26曲が収録される。リリースは7月8日。

　新世代のソウル・バンドとして近年その名をあげているテルアヴィヴのバターリング・トリオ。ベノ・ヘンドラー、ケレン・ダン、そしてリジョイサー名義で知られるユヴァル・ハヴキンからなるこの３人組が、8月3日に６年ぶりの新作をリリースする。通算４枚目のアルバムで、今回は当地のジャズ・シーンを支えるドラマー、アミール・ブレスラーも加わった強力な布陣。先行シングル曲“Come Hither”が公開中です。

　2021年7月7日、85歳でこの世を去ったロバート・ダウニーによる永遠の名作、『パトニー・スウォープ』が7月22日から上映される。
　60年代のニューヨークを舞台にした、黒人がいきなり広告会社の社長になるという設定ではじまるこの映画は、当時のアメリカ社会の欺瞞を暴いた痛烈な風刺であり、過激なコメディであり、先見性に満ちた傑作。いま『リコリス・ピザ』で話題のポール・トーマス・アンダーソン監督がもっとも影響を受けた映画としても知られている。ちなみにこれは、ジム・オルークのオールタイム・フェイヴァリット映画でもある（かつてEメールの名前に本作のタイトルを使用していたほどだそうで……）。

　映画は7月22日(金）渋谷ホワイトシネクイントほか順次公開。この機会を見逃さないように。
　詳しくはこちらを（https://putneyswope.jp/）。

Putney Swope
パトニー・スウォープ
デジタル・レストア・バージョン
A film by Robert Downey
ロバート・ダウニー 監督作品
1969, 85minutes, USA, Herald Productions
白黒・カラー
Featuringアーノルド・ジョンソン、ローラ・グリーン
withバディ・バトラー、アンソニー・ファーガス、ローレンス・ウォルフ
※7月22日(金）渋谷ホワイトシネクイントほか順次公開

　2019年の２枚『U.F.O.F.』と『Two Hands』で大いなる飛躍を遂げ、今年２月に発表したアルバム『Dragon New Warm Mountain I Believe in You』も好評のビッグ・シーフ。いまやUSインディ・シーンを代表するバンドにまで成長した彼らですが、この絶好のタイミングで初の来日公演が決定。11月14日大阪、15日名古屋、18日東京の３都市をまわります。

　6月29日発売の紙版最新号『ele-king vol.29』ではビッグ・シーフを表紙＆巻頭にフィーチャー。アルバム・リリース時にジェイムズ・クリヴチェニア（ドラムス）のインタヴューをウェブで掲載していますが、今回はバンドの精神たるエイドリアン・レンカー（ヴォーカル／ギター）とバック・ミーク（ギター）が登場。じつにさまざまなことを語ってくれています。こちらもぜひチェックを。

　ジャズ、ヒップホップ、アンビエントを横断、多方面に活躍するLAのキイパーソン、カルロス・ニーニョ。2020年にプライヴェートでリリースされ速攻で売り切れとなっていた貴重な作品が、リマスタリング＋新曲追加の仕様で公に発売されることになった。コズミックなアンビエント・ジャズに仕上がっているようで、これは楽しみ。ライナーノーツは岡田拓郎、CD盤を入手しましょう。

　ジョージ・ルーカス監督のデビュー作『THX 1138』（71）は『1984』と並ぶディストピアの古典『すばらしい新世界』を下敷きにしたSF映画で、いまでは普通の演出だけれど、人工性を際立たせたセットにブイ～ンとかヒュウウウ～とかカチカチカチとかクリンクリンといったSEを流し続けることで観客を不安な気持ちに陥れ、機械文明に批判的な視点を与える作品だった。タルコフスキーなどのSF映画に大きな影響を受けたというカールステン・ニコライがとりわけ音楽との関連で言及する映画がこの『THX 1138』で、6Aus49名義のバンドが解散した後、96年からソロでリリースし始めたノト名義や00年から使い始めたアルヴァ・ノト名義の作品はまったくもって『THX 1138』の効果音をそのまま再現したものか、これにリズムを足した作品といえる。タイトルもそのことを指し示しているかのような『Prototypes』（00）から試しに何曲か聴いてみると、“Prototype 10”は不気味なトーンの持続、“Prototype ２”は不安が身体に染み込んでくるようで、“Prototype 6”は感情を表現することが許されない未来人の内面を描写しているといった感じだろうか（『Prototypes』は各曲にタイトルがなく、19年の再発盤で初めてナンバリングが施された。ちなみにルーカスの２作目は『アメリカン・グラフィティ』で、自動車のナンバーがTHX、３作目は『スター・ウォーズ』で、同シリーズの設定には1138という数字が随所で使われている）。

　僕がノト名義の曲を聴いたのは〈ミル・プラトー〉のコンピレーション『Modulation & Transformation 4』（99）が最初だった。これは同レーベルがドイツを中心に質が変わり始めた「エレクトロニカ」をいち早く包括的に紹介した編集盤で、マイク・インクのガス、ピーター・レーバーグ、マウス・オン・マース、テクノ・アニマル、トーマス・ケナーなど新たな時代の波に乗りきれた中堅やニューフェイスたちが36組も集められ、ドイツ以外では池田亮司の名前もあった。「エレクトロニカ」という呼称は一時期のもので、リスニング・テクノやラウンジ・リヴァイヴァル、あるいはグリッチやファウンド・サウンド（注）といったダンスフロアを意識しない電子音楽がいわば一本化されて、このタイミングで篩にかけられ、安直にいえばミュジーク・コンクレート・リヴァイヴァルがスタートを切った瞬間だと考えればいいだろう。そして、ここからマーク・フェル（SND）やミカ・ファイニオらが次の時代を切り開き、アルヴァ・ノトはフェネスやヤン・イエリネクと並んでシーンの代表格となっていく。01年にリリースされた『Transform』が早くも傑作である。シンプルなパルス音だけで構成された同作は『Prototypes』とは異なり、既成のリズムから波形をコピーして、そのパターンにグリッチを当てはめたものらしい。そう、“Module 4”や“Module 6”の音数の少なさときたら！　これで腰が動いてしまうのだから最初は驚くしかなかった。“Module 7”などはヘッド・バンギングすら誘発しかねなかった（『Transform』の各曲も再発時のタイトル）。

　東京で初めてアルヴァ・ノトのライヴを観た坂本龍一はシュトックハウゼンを思い出したと語っている。90年代のテクノには少し距離を感じていたらしい坂本はニコライのサウンドにはすぐに親近感を感じ、池田亮司にニコライを紹介してもらったと同じインタヴューで続けている（池田亮司とニコライは当時、サイクロ.というユニットを組んでいた）そして、リミックスをオファーし、ニコライがこれに快く応じたことがすべての始まりとなる。この当時、坂本は「エレクトロニカ」を大量に買い込んでいる。どんな人でも1年に1日だけ卸売価格でCDを買うことができる店があり、僕も何度か利用させてもらったけれど、そこで「坂本さんが倉庫にあったCDを端から端まで買っていったんですよ」ということだった。レゲエが理解できず、坂本が諦めずに２年間もレゲエを聴き続け、ついに「わかった！」というエピソードが示す通り、坂本は熱心な勉強家で、自分への投資を怠らないタイプの音楽家なのである。僕が知っているミュージシャンの多くは人付き合いや音楽以外のことにお金を使い、「新しい音楽」を聴かない人が多い。どういうわけかブレイクした時点で「止まってしまう」のである。アルヴァ・ノトの周辺で何が起きつつあるのか。それを坂本が本気で知ろうとしていたことがこの話からは伝わってくる。90年代の坂本龍一は映画音楽家であり、オーケストラの指揮者であり、どちらかというとモダン・クラシカルの系譜に位置していた。そこから見える未来に坂本は大きく軌道修正を加えた。しかも、アルヴァ・ノトと坂本龍一による最初のコラボレーションは早くも『Transform』の翌年にリリースされている。『Modulation & Transformation 4』から数えても3年しか経っていない。

　ニコライは最初、坂本から渡された音素材のうちピアノの演奏に惹かれたという（坂本いわく、「ピアノの演奏は2％ぐらいで、残り98％のエレクトロニクス・ミュージックにはぜんぜん興味がもたれなかった（笑）」）。「坂本のピアノになかなか手を加えられなかったニコライは何度かツアーを重ねるうちに打ち解け、大胆にプロセッシングを加えられるようになった（大意）」という発言もあるので（前掲）、『Vrioon』では主にニコライがプロセッシングを担当し、それを土台にして2人で作業を進めるという過程を経たと思われる。『Transform』と較べると、同じくミニマリズム（音数が少ないこと）でありながら躍動感は極力抑えられ、アンビエント表現の比重が高い。リヴァーブをかけたピアノもレイヤーを重ねるよりはひとつの音が現れては消えるまでをじっくりと観察しているようで、間隔を長く取り、音が空間に染み渡るプロセスを強く意識させる。主観と客観を並走させているというのか、見事にスキゾフレニックというのか、ニコライによる機能的なグリッチと坂本のメランコリックなピアノは将棋の試合のようにお互いに間を詰め合い、離れては近づき、近づいては離れ、混じり合ってしまうことなく、静かなテンションを維持し続ける。冒頭に引いた『THX 1138』に喩えるとニコライが映像を担当し、坂本が役者の演技に相当するというか。これまでに何度も書いたことだけれど、『Vrioon』はなかなかの傑作である。京都の石庭で聴いたらどんな感じがするだろうと何度も想像してしまった。

　『Vrioon』を皮切りに『Insen』『Revep』『Utp_』『Summvs』と、5部作がすべてリマスターを施されて年内に再発される予定（タイトルの最初の文字を繋げると「V・I・R・U・S（ウイルス）」になる！）。奇しくも今年、プラスティックマンのエレクトロニクスとチリー・ゴンザレスのピアノという同じ組み合わせのコラボレート・アルバム『Consumed in Key』がリリースされている。リッチーもゴンザレスもパラノイアックなアプローチを取り、強迫的な展開が頻出するので、時代も違うし、方向性はまったく異なるものの、『Vrioon』とはあまりにも対照的で、続けて聴くと音数が圧倒的に少ない『Vrioon』の方が緊張感は高く、最初の音が鳴ると同時に透き通った景色の向こうに連れ去られていたことがよくわかる。『Consumed in Key』にあるのはコロナ禍の濁った感じや俗っぽさを諦めきれない猥雑さといったところで、そう考えると『Vrioon』には浮き世と憂き世を入れ替えたような形而上学的なセンスがあり、それこそシュトックハウゼンが抱いた「普遍への夢」が含められていると考えたくなってしまう。少年が歌う断片的なメロディにカチャカチャと電子音が絡みつく“Gesang Der Jünglinge”と同じとは言わないけれど、音がしない瞬間が多く、透き通るような感触には似通ったものがあることは確かだろう。アルヴァ・ノトのライヴを観てシュトックハウゼンを思い出したという坂本龍一の直観は、たぶん、正しかったのである。

＊『Vrioon』のリマスター盤にはスペインの美術雑誌「MATADOR I: ORIENTE」に付けられたCD用に録音された「Landscape Skizze」がボーナス・トラックとして追加されている。

（注）「ファウンド・サウンド」とはフィールド録音のように楽器の演奏ではない音が音楽に使われていること、あるいはその音を出す物体（ファウンド・オブジェクト）のことで、「具体音」と意味は同じ。ジョン・ケージやシュトックハウゼンが手法として確立し、ピエール・アンリやブライアン・イーノがあまたの応用例を展開したのち、イーミュレイターやサンプラーの普及によって80年代以降はダンス・ミュージックでも広く応用されるようになった。「エレクトロニカ」の時期にはこれをダンス・ミュージックとは異なる文脈に戻す傾向が増え、とくにフェン・オバーグ（フェネス＋ジム・オルーク＋ピーター・レーバーグ）がその先頭に立った。

特集：フォークの逆襲──更新される古き良きモノたち

巻頭インタヴュー：ビッグ・シーフ
インタヴュー：マリサ・アンダーソン、キャロライン、スティック・イン・ザ・ホイール、ローラ・キャネル、ランカム
特別インタヴュー：ベル＆セバスチャン

もっとも古い民衆の音楽、いま広がるフォークの時代、
ネットでは読めない貴重なインタヴュー、歴史やシーンの概説～コラム、そしてディスクガイド

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　ビッグ・シーフは、来月イスラエルで予定していたふたつの公演のキャンセルを発表した。バンドはもともと、彼の地でライヴをする予定で、当初のライヴ発表における反対の声に対しては、「家族がいる場所に行って空間を共有し、彼らのために演奏することは重要だ」と声明文を出していた。が、ここに来て、それは「無謀と甘さ（the recklessness and naivete）」だったと認識し、公演を中止することにした。
　去る6月9日にポストされたインスタグラム（https://www.instagram.com/p/CelZ64bOh81/）に掲載のあらたな声明では「私たちは、最初の投稿からいくつかのことを明確にすることからはじめたいと思います」とし、「私たちが意見の一致を超えて愛し合い、道徳的な高みがどこにあるかわからないと話したとき、それはBDS（イスラエル文化ボイコットをうながすパレスチナ人主導の運動）がボイコットを求めている時期にイスラエルで公演をおこなうことについて言及していました」、それというのも「マックス（・オレアルチック／ベース）が生まれ育ち、現在も住んでいる場所で、音楽は癒すことができるという単純な信念」によるものだったと。しかしいま、「はっきり言って、私たちはパレスチナの人びとに対する不法占拠と組織的抑圧に反対します」と書いている。これは「友人、家族、BDS支持者、パレスチナ人、そしてパレスチナ人のための戦いに尽力しているイスラエル市民」との対話を経ての結論だという。
　『現代思想』の「ウクライナから問う」特集のマウリツィオ・ラッツァラートの原稿では、近年世界でどれだけ戦争が起きているかがリスト化されているが、イスラエルとパレスチナに関しては、そのリストに入らないほど、第二次大戦後からずっと続いている。ウクライナ戦争をきっかけに近年世界で起きている他の戦争（シリア、イエメン、アフガニスタン等々、アメリカがイラクに対してどれほどのことをしてきかたことか……）への関心が高まっているなか、最近もパレスチナ自治区へのイスラエルによる攻撃がニュースになっている。
　ビッグ・シーフの公演キャンセルを受けて、彼らが演奏する予定だったテルアビブのヴェニューはバンドを批判し、パレスチナを支援する組織は「私たちはビッグ・シーフの勇気と抑圧された人びとの声に耳を傾けようとする意志に敬意を表する」と発表したという。
　ちなみにこれまでも、ブライアン・イーノやマッシヴ・アタック、サーストン・ムーアなど多くのミュージシャンがイスラエル政府への批判を公言している（ツアーをキャンセルしたのはラナ・デル・レイ、タイラー・ザ・クリエイター等々）。また、同じようにイスラエルでライヴをしているミュージシャンも多く、たとえばレディ･ガガやニック・ケイヴ、ジャスティン・ティンバーレイクもそう。5年ほど前にイスラエルでライヴをやったレディオヘッドに対しては映画監督のケン・ローチが厳しく批判した。

　〈Optimo Music〉で知られるグラスゴーの重鎮、JD Twitchが日本の80年代のレフトフィールドな音源を集めたコンピレーションをリリースする。タイトルは『Polyphonic Cosmos: Sonic Innovations In Japan (1980-1986)』で、収録されているのは、World Standard、原マスミ、難波弘之、Normal Brain、EP-4、芸能山城組、D-Day、坂本龍一、清水靖晃、Earthling、Pecker。
　JD Twitchはこれらの楽曲を8年かかって蒐集したそうで、初めて日本に来たときからずっと調査していたとのこと。原マスミの“Your Dream”などは彼のDJセットで長年愛されている曲。コンピレーションのリリースは7月1日です。