「P」と一致するもの

　マカヤ・マクレイヴン『Universal Beings』に参加していたり、ジェフ・パーカーらとの共演盤もあったりと、実力者からその才を認められているジャズ・ベーシスト、アンナ・バターズ。あるいはこれは、いま静かに波が起こっているジャズとアンビエントの融合の流れに分類することもできる音楽かもしれない。10月23日、〈rings〉よりセカンド・アルバムの国内盤がリリース。

コンピレーション・アルバムというのは独特の魅力がある形態だと思う。あるテーマに沿った違う人たちの違う曲の連なり、それは一つのチームで一つの街で一つの風景であるのだろうけれど、他のアルバムと比べて個の存在を大きく残している。セレクトした選者の意図のようなものを感じることもあるし、注目バンドを集めた若手の見本市的な側面もあると思う。僕は毎年出る、まだあまり音源をリリースしていないバンドを集めた〈Slow Dance Records〉のコンピレーション・アルバムを楽しみにしているのだけど、知らないバンドを聞いて、これは凄くいいな、フォークっぽい感じだけど、どこのどんな人たちなんだろうなんて、ワクワクしながらあれこれ想像する時間がとても好きだ。その音楽やバンドには歴史があって影響があってそれから目の前に現れたみたいなそんな感じがして、考えていると好奇心が刺激される。
　そしてまた少し考える。サブスクが盛り上がるいまの時代にコンピレーション・アルバムとプレイリストに違いを感じるのだとすれば、それは間に挟まるある種の事情や制約などの違いが生み出す空気感ではないかと。選者が好き勝手に入れられるプレイリストの気軽さに対してコンピレーション・アルバムはもっと格式ばった感じがする（俺の考えた最強イレブンと実際に監督が選び試合に臨んだスタメンとの差みたいなものだ）。あるいは集めた曲を使って目的の空間を作り上げるプレイリストとは異なり、コンピレーションのそれはたとえ初出ではなかったのだとしてもアルバムの為に提供された曲だという違いがあるのかもしれない。ヴァリアス・アーティストなんて表記はプレイリストにはないのだから（あるのは作成者の名前だけ。つまりはそれ自体で一つの塊として閉じられているのが大事なのだ）。

　そんなことを考えながら〈CALL AND RESPONSE〉のコンピ『Music For Tourists ~ A passport for alternative Japan』を聞いている。〈CALL AND RESPONSE〉はブリストル出身の音楽ジャーナリスト、イアン・F・マーティンが運営しているレーベルで、彼自身の手によるライナーによると日本の若手バンドを集めたこのコンピレーションは「観光客のための音楽」なのだという（ここで言う観光客とは音楽を聞く僕らのことだ）。ライナーのなかで彼は言う。観光もまた発見の手段で、たとえばライヴハウスを訪れるという行為は、日常的な社会と現実とは異なる層に存在する別の世界とを隔てる境界線を飛び越えることを意味するのだと。「日本の音楽地図に見立てた、未完の記録」その言葉通りに東京のバンドだけではなく地方のバンドの曲も数多く収録されている。
　そういういった背景を知りアルバムを聞いているとなんだか電車の車窓から次々に切り替わり景色を眺めているような気分になる。目的地なんてなく、どこか遠くに行くためだけに乗っている列車。初期のブラック・ミディを彷彿させる性急なポストパンク、福岡のaldo van eyckの”X"に始まり、音楽に揺られながらぼんやりと窓の外を眺めていると景色が次々に立ち上がってくる。

　サウスロンドン以降のポスト・パンクの匂い、サイケデリックな看板、田園風景に安らぎを感じ、00年代の下北沢のバンドの気配が残った古い鉄塔にエモを感じ、馴染みのロゴが入った新しい建物に親近感を抱く。ぼうっと眺めていると時々知っている風景が広がったりしてあぁあれはこの景色だったのかと思うこともある。それらの景色は突然出来上がったのではなくて歴史があり混ぜられて減って作られてそうして僕ら観光客の前に現れるのだ。
　反復する呪文のような陶酔感を持ったmizumi、厳かなフォークの中に神社の石段の冷たさを感じる帯化、pandagolffのポスト・パンクにひねくれた軽さを感じ、schedarsのクールな音に胸を躍らせる。90年代のUSオルタナサウンドを響かせるBreakman Houseの歌メロはどこか畳の匂いがし、その組み合わせにどうしよもなく胸をかきむしられる。だから画面のなかの検索窓を覗き込む。そうして出てきた長野 松本という文字に想像を巡らせ行ったこことのない街に向かって思いをはせるのだ(そしていつか行きたい街のリストへ入れる)。

　あるいは時おり下車し地元の人の話を聞いたりする。名古屋のWBSBFKはアートワークをとても大事にしているバンドでここに収録されている”haircut ”のlong versionはライヴでしかやっていないのだという（そうして名古屋におけるシーンの話を少し聞く）。その日のイベントでかかったBarbican Estateの音楽はハッとさせるような空気を作り出しいて、そこで味わった感覚がこのコンピに入っている”Fresh Air (alternative version)”へと繋がる道をより魅力的にしていく。

　そんな風にして僕ら音楽を聞く観光客は景色を楽しむ。
　音楽にとって場所とは果たしてどれくらい重要なのだろう？ 色んな時代の色んな音楽を際限なく聞けると思ってしまいそうな現代においても、場所というのはきっと大切で目の前の風景に響いて欲しい音が鳴らされ、あるいは眼前の現実をぶち壊すべく音が鳴らされる。それらの音楽が作り出す風景は培われてきた歴史や感性、土壌、文化が混じりあってのもので、我々、好奇心を抱いた観光客はそこに面白さを見出すのだ。
　ブライアン・イーノの作品にちなみ『Music For Tourists』と名付けられたこのアルバムは新な街へと続く扉として素晴らしく機能する。停車する列車の扉を開け探検心を持って外に出てみると、そこには見たことはあっても触れたことのない風景が広がっている。

　いよいよ今月の21日、Still House Plantsのライヴが観れる！　しかも、同日には日野浩志郎率いるgoatも出演する！　現場に行くしかないでしょう。

Still House Plants

goat

〈ageHa〉によるフェスティヴァル・プロジェクト「ageHa THE FESTIVAL」、3つのステージで、国内外のエレクトロニック・ミュージシャンのライヴやDJを満喫しよう。今年はジャーマン・トランスの巨匠のなかの巨匠、SVEN VÄTHが出演。ほかにもGONNOやGROUNDも！　ここで、失った夏を取り戻そう。

　三面ゴシップとは、PUNPEEのライヴDJとして知られる原島 "ど真ん中" 宙芳、ラッパー仙人掌のDJ名義＝DJ Slowcurv、ライターとして活躍する二木信という、「飲み友だち」3人からなるDJチームにしてパーティである。ゆるりと継続されてきた同パーティは今年10周年を迎えるそうだ。というわけで、アニヴァーサリー・パーティのお知らせです。
　9月22日（日曜／祝前日）恵比寿のBATICAにて開催されるそれには、ゲストとして田我流×!!!??（Secret Guest）、TWICE AS NICE -Gradis Nice ＆ DJ Scratch Nice-(NYC DANCE MUSIC SET!!)、KRAIT(Kana & Timmy)の3組が登場、それぞれスペシャルなB2Bを披露することになっている。
　また、深夜にはBATICAによるレフトフィールドなヒップホップのパーティ、「特急帯域」オーガナイズによるアフターパーティも予定されているとのこと。盛りだくさんの一夜、ぜひ足を運んでみましょう。

　ファッション・ブランド〈C.E〉による2024年最初のパーティがWWW Xにて開催される。大人気のベン・UFOを筆頭に、ベルギーから初来日のキャリアー、日野浩志郎のソロ・プロジェクト＝YPY、昨年の〈C.E〉のパーティにも登場したChangsie、〈Incienso〉のDJ'JにDJ Trysteroと、なかなか刺戟的なラインナップだ。9月21日（土）、きっとこのころには涼しくなっていることでしょう。秋の夜長にひと踊り。

　KMRUはケニア・ナイロビ出身、ベルリン在住のアンビエント・アーティストである。ここ数年、新世代のアンビエントアーティストとして、その名を知らしめてきた逸材だ。そんな彼の新作『Natur』が英国の老舗〈Touch〉からリリースされた。
　『Natur』は、これまでのKMRUのアンビエント作品を包括し、新たな音響領域の模索・実践し、そして高密度なサウンドスケープを形成した見事な音響作品だ。
　機械的な音でありながら、有機的な音響でもありつつ、聴くほどに没入感をもたらすサウンドスケープは見事の一言。2020年に〈Editions Mego〉からリリースされた『Peel』に匹敵する彼の代表作と呼べるアルバムになるのではないかと思う。ちなみにマスタンリグを手がけたのは、スロウダイヴのメンバーで、優れたアンビエント・アーティストであるサイモン・スコットである。

　では『Natur』はどんなアルバムなのか。どのような音響作品なのか。以下、概要を簡単に説明していこう。
　ナイロビからベルリンへ拠点を移した彼は、その都市の発する音に惹きつけられたという。ナイロビとは異なる都市の音、それは静謐であり人工的であり無機的なサウンドスケープであった。そこでは昼夜のコントラストも不明瞭であり、故郷のナイロビとは何もかもが異なっていたという。ナイロビは常に騒音があり、常に人の声が響きわたり、昼はどこまでも明るく、夜はどこまでも暗闇だった。
　『Natur』は、そんなKMRUのベルリンでの都市生活にインスパイアを受けて制作されたアルバムなのである。機械の音を引き伸ばしたような無機的な持続音＝ドローンを基調にしつつ、微細なグリッチノイズや環境音がレイヤーされていく。そのサウンドメイキングの手腕がこれまで以上に研ぎすまされ、さながら音による（映像を欠いた）映画とでもいいたくほどに見事な音響空間を実現している。この楽曲は2022年に作曲され、以降、フェネスとのツアー、ロンドン・コンテンポラリー・オーケストラとのコンサートなどで演奏されてきたという。時間をかけて作り込まれていった楽曲は、全52分におよぶ長大な曲に仕上がった。
　これまでのKMRUにあったエモーショナルな感覚は控えめになり、マシニックな音の持続、それこそ都市のあちこちから漏れ出る機械音を混合させたような音響が冒頭から発せられていく。しかしその音の「冷たさ」はとても心地よいのだ。鉄のひんやりとした感覚とでもいうべきか。その無機的なムードは、KMRUがベルリンで感じた孤独さとそれゆえの快適さの感覚に近いのかもしれない。

　アルバムは大まかに5部構成になっており、それぞれ“Natur 1”、“Natur 2”、“Natur 3”、“Natur 4”、“Natur 5”となっている。
　まず“Natur 1”では静謐な電子音響のドローンが鳴り始め、そこにさまざまなノイズが、さながら都市の絶縁体から漏れ出る接触不良のノイズのようにレイヤーされていく。ノイズのスタティックな饗宴は“Natur 2”でいったんピークを迎える。ノイズたちの音量が増し、刺激的な音響空間を形成していく。ナイロビからベルリンに移住したKMRUがナイロビよりは遥かに静かな都市の中で耳を澄まし、その都市のノイズを聴きとっていくさまが見えてくるかのようだ。
　続く“Natur 3”では機械的なドローンやノイズに混じり、鳥の声などの環境音が、はっきりと聴こえてくる。自分はここまで相当に没入して聴きこんでいたので、一瞬、幻聴かと思ってしまったほど。まるで過去の記憶と現実世界の音が入り混じるようなサウンドだが、幻想的ではなく、「この現実」が極度に抽象化された音のように思えた。環境音と電子音が入り混じり、機械的な音とオーガニックな音が入り混じるドローンを展開しているのである。
　環境音を経て音響は再び機械的なドローン／電子音響へと変化するのが“Natur 4”と“Natur 5”のパートである。聴き手の耳は不意の環境音の挿入を経て変化していく。“Natur 5”の終局近くに鳴るカラカラとしたノイズに、先ほどの環境音の記憶が重なる。エモーショナルを廃した音響に、オーガニックな音響を混ぜることで、音響の色彩にほんの少しの変化を与えたかのようだ。何より、ベルリンとナイロビの都市空間の差異という彼が感じた具体的な問題をベースとしつつ、このように抽象的な音響作品を作り上げている点に注目したい。

　ここでは機械化された都市空間を否定するだけではなく、その空間の心地よさや違和感とも対話し、世界の認識を改めようとする音楽家の柔軟な思考と感覚の揺らぎを聴き取ることができるの。思えばKMRUのアンビエントは、音響は、コロナ禍の状況で生まれた『Peel』なども含めていつもそうだった。自らの置かれた状況と、その状況と対話するようにサウンドスケープを構築しているのだ。
　かつてはその対話は自身への感情とも深くリンクしていたためエモーショナルなアンビエントともなったが、本作では、その対話が自身のインナースペースに向かうというよりは、ナイロビとベルリンという二つの異なる都市の対比から生まれていたためか、よりマシニックになった。その意味でKMRUは変化し続けている。ケヴィン・リチャード・マーティンとのコラボレーション作品でもそのような変化を聴きとることができたが、本作ではソロ作品であるがゆえ、マシニックな音響が全面化している。　
　どこまでも続く持続音、接触不良のようなノイズ、時折、脳裏を横切る鳥の声などの環境音が入り混じり、画一化された都市のサウンドスケープに潜む「曖昧さ」を50分に及ぶサウンドスケープとして展開する。

　と、くどくどと書き連ねてきたが、とにかく言えることは単純にこの機械的な音の持続と変化が気持ち良いということに尽きる。頭を無にして、機械の音をぼうっと聴き続けるように本作を聴いてほしい。そうすれば自ずとKMRUの見事な音響の構成力が体に染み入るように理解できるはずだ。

　カリブーとはいえば、ハウス・ミュージックにエレクトニカのセンスを取り入れて、じつに楽しいダンス・ミュージックをつくってきたダン・スナイスの主要プロジェクトである。我々は2010年の『 Swim』を忘れていないし、2014年の『Our Love』だってそう。だから、『Suddenly』以来の新作を楽しみしている。
　また、カリブーは、単独来日（10月14日＠Spotify O-EAST）と朝霧JAM（10月12日〜 13日）の出演も決定している。

　Godspeed You! Black Emperorが新作『No Title As of 13 February 2024 28,340 Dead』のリリースを発表した。欧米では10月4日に発売。
　また、アルバムのリリース発表に際して、あらたなステイトメントも発表した。

明白な真実
我々はそのなかを漂い、議論した
毎日が新しい戦争犯罪で、
毎日が花を咲かせる
私たちは一緒に座り、
ひとつの部屋でそれを書き、
そして別の部屋に座って録音した

タイトルはない＝小さな体が倒れながら、どのようなジェスチャーが意味をなすのか？　
どのような背景があるのか？
どのような壊れたメロディがあるのか？
そして、線上の一点を示すための集計と日付、
負のプロセス
増え続ける山
灰のベッドに沈む太陽

我々が一緒に座って議論しているあいだ
旧世界秩序はかろうじて気にかけるふりをした
新世紀はさらに残酷になるだろう
戦争がはじまる
諦めるな
どちらかを選べ
がんばれ
愛を
GY！BE

“No Title As of 13 February 2024 28,340 Dead”:

01 Sun Is a Hole Sun Is Vapors
02 Hole Sun Is Vapors Babys in a Thundercloud
03 Raindrops Cast in Lead
04 Broken Spires at Dead Kapital
05 Pale Spectator Takes Photographs
06 Grey Rubble – Green Shoots

　カナダのトロント出身のバッドバッドノットグッドは、純粋なジャズ・バンドということではなく、基本的にインストのジャム・バンドであり、ジャズのほかにもオルタナ・ロックやパンク、ヒップホップやファンクなどのさまざまな要素が混在している。自在な即興演奏が彼らの軸で、活動初期は実際のライヴ・レコーディングを音源としてリリースしていた。ナズからジェイムズ・ブレイクに至る独特のカヴァーやパンクのような縦ノリのライヴが話題を呼び、2010年代初頭から着実にファンを増やしていく。

BADBADNOTGOOD
Mid Spiral
XL Recordings / ビートインク

　基本的にはベース、キーボード、ドラムスのトリオとして出発したが、ゴーストフェイス・キラーとの共演などほかのアーティストとのコラボレーションも増え、メンバー交代やサックス奏者の加入などの変遷を経て、進化を続けている。2016年の『IV』あたりからは、演奏技術だけでなく作曲やアレンジ面での成長が著しく、ミック・ジェンキンスやシャーロット・デイ・ウィルソンといったラッパーやシンガーたちとのコラボにより、単なるインスト・バンドではなくトータルの音楽性で聴かせるバンドへと変貌してきている。そうした成果が表れたのが2021年の『Talk Memory』で、ブラジルのレジェンドであるアルトゥール・ヴェロカイほか、ララージ、テラス・マーティン、カリーム・リギンズ、ブランディ・ヤンガーら多彩なゲストを招き、特にヴェロカイがアレンジしたストリングス・セクションとの融合による素晴らしい世界を披露していた。

　それから3年ぶりの新作が『Mid Spiral』で、もともと3枚のEPでリリースされた連作を1枚にまとめたアルバムとなっている。今回はシンガーなどが入らず、インスト・バンドとしてのバッドバッドノットグッドに原点回帰したものだ。そして、特徴として挙げられるのはラテンであり、ヴェロカイとの共演が作用したのかどうかはわからないが、中南米的なリズムや音楽構造が随所に表れている。スペイン語のカウントではじまる “Juan’s World” が筆頭で、土着的なフルートやパーカッションをフィーチャーしたラテン・ジャズ／フュージョン調のナンバー。今回はトロントやロサンゼルスのセッション・ミュージシャンもいろいろと録音に参加しているが、パーカッション奏者はラテン系のミュージシャンで、そうした人選からもラテンを意識している点がうかがえる。

　“Sétima Regra” も同様にラテン風味のメロウなジャズ・ファンク／フュージョンで、1970年代のデオダートあたりのアレンジに近いところを感じさせる。“Your Soul & Mine” や “First Love”、“Audacia” も1970年代の〈CTI〉のジャズ・ファンクやフュージョン的だが、隠し味的にラテンのエッセンスが加わっている。ボサノヴァのリズムの“Sunday Afternoon’s Dream” にしても、スローなジャズ・ファンクとシャッフル・ビートを行き来する “Eyes On Me” にしても、もラテン音楽特有のメロウなフィーリングが溢れている。前面にラテン色を打ち出すのではなく、ジャズやファンクなどとミックスさせて洗練した味付けを施した作品が多いようだ。ゆったりとしたスピリチュアル・ジャズ調の “Celestial Hands” にも仄かなラテン・アクセントが加わり、クルアンビンがスピリチュアル・ジャズをやったような作品となっている。

Thandiswa
Sankofa
King Tha Music / Universal Music

　ンドゥドゥゾ・マカティーニ、マルコム・ジヤネ、リンダ・シカカネと、ここのところ南アフリカ共和国出身のミュージシャンによる作品を紹介してきているが、キング・ターの異名を持つタンディスワ・マズワイも南アフリカ出身のシンガー・ソングライター。1990年代よりボンゴ・マフィンというグループで活動し、クワイト系のダンス・バンドとして南アフリカのゲットーの若者たちの間で絶大な人気を得て、数々の音楽賞も受賞してきた。アメリカなどワールド・ツアーもおこない、スティーヴィー・ワンダーやチャカ・カーンなどのビッグ・スターとも共演を果たすが、タンディスワは2000年代半ばに脱退。ソロ・シンガーに転向してリリースした最初のアルバム『Zabalaza』（2004年）は、全体的にはネオ・ソウル風のアルバムではあるが、南アフリカに根付くジャズやフォーク・ミュージックの要素を取り入れた自身のルーツを主張するものだった。
　高評価を得た『Zabalaza』に続くセカンド・アルバムの『Ibokwe』も大きなセールスを記録し、この2枚でタンディスワはソロ・シンガーとしても大きな成功を収めることになる。南アフリカはじめ欧米でも高い評価を得ることになった彼女の作品は、ジャズ、ファンク、レゲエなどに、クワイトからムバカンガ、コーサ音楽といった南アフリカ周辺を起源とする音楽の要素を交えたもので、しばしば政治的なメッセージを孕む。1976年のソウェト蜂起の年に反アパルトヘイト運動家でジャーナリストの両親のもとに生まれ、ヨハネスブルグのソウェトで育ってきた彼女は、幼い頃から人種差別、貧富や社会的格差が身近にあり、そうした背景が彼女に政治や社会へ目を向けた歌を作ることへと向かわせた。妹のヌツキィとノムサもシンガーやアーティストとして活動するが、特にヌツキィは詩人／作家として社会活動にも参加するなど、家族全員がアクティヴィストとしての顔を持つ。

　南アフリカの巨星のヒュー・マセケラほか、ミシェル・ンデゲオチェロ、ポール・サイモンら大物アーティストと共演をしてきたタンディスワは、2016年の『Belede』ではビリー・ホリデイを意識したようなジャズ・シンガーへの道を歩きはじめる。そして、この度リリースされた新作『Sankofa』では、ミシェル・ンデゲオチェロと同郷のンドゥドゥゾ・マカティーニを共同プロデューサーに迎え、ヨハネスブルグ、セネガルのダカール、ニューヨークで録音をおこなった。
　反アパルトヘイト活動家のスティーヴ・ビコの演説を引用した “Biko Speaks” はじめ、『Sankofa』には政治的なメッセージに彩られている。“Kunzima: Dark Side Of The Rainbow” の終わりでは南アフリカ議会での嘲笑のような音声がコラージュされ、現在の南アフリカ政府への政治不信を示している。“With Love To Makeba” は南アフリカ出身の偉大なるシンガーであるミリアム・マケバに捧げたものであり、反アパルトヘイト活動に傾倒した彼女が国外追放され、その後ギニア大統領の庇護を受けてギニアに移り、音楽活動を継続していった経緯などについても触れている。ちなみに『Sankofa』とは、西アフリカのガーナの言葉で「過去からの学びを未来へ生かす」というような意味。アフリカ系アメリカ人とアフリカのディアスポラの重要なシンボルである鳥の形を示すものとしても知られる。南アフリカ、セネガル、アメリカと3か所で録音し、ミシェル・ンデゲオチェロというアフリカ系アメリカ人の視点も加え、タンディスワの汎アフリカ主義が主張となって表れたアルバムと言えよう。

　音楽的に『Sankofa』の軸をなすのはジャズとアフリカ民謡で、そこにクワイトやムバカンガといった新しい南アフリカの音楽を融合している。“Emini” はマリ音楽のようなビートを持ち、そこにエレクトリックなアプローチを交えたもの。“Dogon” では西アフリカのコラやンゴニといった固有の楽器が用いられるが、これらセネガルのミュージシャンとのセッションはンドゥドゥゾ・マカティーニによってまとめられている。“Children Of The Soil” はアルバム中でもっともスピリチュアルなナンバーで、ビリー・ホリデイとミリアム・マケバの両者から影響を受けたような歌唱を披露する。アフリカの大地から生まれた子どもたちが、政治や貧困に苦しめられる、そんな苦難を歌にした作品であり、黒人奴隷の悲哀を歌にしたビリー・ホリデイやアパルトヘイトと戦ったミリアム・マケバへと繋がるものだ。タンディ・ントゥリのピアノをフィーチャーした “Xandibina Wena” もディープなジャズ・ヴォーカル作品で、動物的で野性的な甲高い歌声が心に残る。

Kavyesh Kaviraj
Fables
Shifting Paradigm

　　カヴィエシュ・カビラジはミネソタ州のツイン・シティーズ（ミネアポリス～セントポール）を拠点とするピアニスト／作曲家で、『Fables』はデビュー・アルバムとなる。オマーンでインド人両親の元に生まれた彼は、2歳のころにはすでにピアノをはじめたという早熟児で、南インドのカルナータカ音楽と北インドのヒンドゥスターニー音楽を学んでいった。音楽家である父からはクラシックと現代音楽に関するレッスンを受け、10代に入るとインドに移り住んでスワルナブーミ音楽アカデミーに入学。2016年にツイン・シティーズへ移住し、アメリカで本格的な音楽教育を受ける。2019年からバークリー大学でジャズ専門コースを選択し、ダニーロ・ペレス、ケニー・ワーナー、ジョアン・ブラッキーンらに師事する。2020年に音楽修士の学位を取って卒業してからは、ジャズを主戦場にしつつもR&Bやヒップホップ、ファンク、ゴスペル方面のセッションにも参加してきた。現在はセント・トーマス大学でピアノ学部の教師を務めるほか、カールトン・カレッジやウォーカー・ウェスト・ミュージック・アカデミーで客員講師を務めるなど、おもに音楽教育家として活動する一方、自身の音楽制作やバンド活動もおこない、そして発表したのが『Fables』である。

　『Fables』のメンバーはカヴィエシュ・カビラジ（ピアノ、キーボード）以下、ジェフ・ベイリー（ベース）、ケヴィン・ワシントン（ドラムス、パーカッション）、ピート・ホイットマン（サックス）、オマー・アブドゥルカリム（トランペット）で、楽曲によってゲスト・シンガーやストリングスが加わる。抒情的なメロディによるモーダルな “Who Am I”、ブラジリアン・リズムを取り入れたジャズ・サンバ調の “Saudade”、ダイナミックなピアノが飛翔感に満ちた演奏を展開する “Rain”、変則的なリズムが躍動する “They Cannot Expel Hope” などが並ぶなか、“Lullabuy” ではインド固有の木管楽器であるバーンスリーをフィーチャーしていて、インド系のカヴィエシュらしい楽器使いと言えよう。ここでのバーンスリーとタブラのようなパーカッション、ストリングスとピアノによるラーガ的な美しいアンサンブルは、幼少からインド音楽を学び、ジャズの世界でも研鑽を積んできたカヴィエシュだから出せるものだろう。

Frank London
Brass Conspiracy
Tzadik

　ニューヨーク出身のフランク・ロンドンはクレズマーのトランペット奏者である。クレズマーは中央～東ヨーロッパで広まったアシュケナージ（ユダヤ人）による音楽で、ギリシャやルーマニアなどの民謡や、バロック音楽、ドイツやスラブ地方の民俗舞踊音楽、ユダヤの宗教音楽などがミックスされた民間音楽として親しまれた。19世紀後半にはアメリカにも広まり、1910～20年代にはジャズと結びついてビッグ・バンドで演奏されるなど、ポピュラー音楽のひとつとして人気を得た。その後、第二次世界大戦中にアメリカにおけるクレズマーは人気の低下を迎えてしまうが、1970年代以降はリヴァイヴァルし、近年はジャズやファンク、ロック、パンクなどと結びついて新たなファン層を拡大している。改革派ユダヤ人の家庭に生まれたフランク・ロンドンは、10歳のころからトランペットをはじめ、1980年にニュー・イングランド音楽院でアフリカ系アメリカ人音楽の学士号を取得。ニューヨーク州立大で音楽講師を務めるほか、クレズマティクスやハシディック・ニューウェイヴなどのクレズマー・バンドで演奏した。デヴィッド・バーンと戯曲家のロバート・ウィルソンによるオペラ『 The Knee Plays』では、指揮者と音楽監督も務めている。そして、自身のバンドであるクレズマー・ブラス・オールスターズを結成し、2000年からアルバム・リリースもおこなう。ほかにもフランク・ロンドン・クレズマー・オーケストラ、フランク・ロンドン・ビッグ・バンド、フランク・ロンドン・アンサンブル、フランク・ロンドン・グラスハウス・オーケストラなどジャズやクレズマー系のバンドを多数率いるなど、ニィーヨークにおけるクレズマー音楽の第一人者的存在と言えるだろう。これまでラ・モンテ・ヤング、アイザック・パールマン、ジョン・ケイル、アレン・ギンズバーグ、ガル・コスタ、レスター・ボウイ、イギー・ポップ、ピンク・フロイド、ジョン・ゾーン、メル・トーメ、ユッスー・ンドゥールなど、さまざまなジャンルの多士多彩な面々と共演してきた。

　レコードも精力的にリリースしているフランク・ロンドンだが、2024年はまずジ・エルダーズというバンドを率いて『Spirit Stronger Than Blood』をリリース。ニューヨークのフリー・ジャズや前衛音楽を代表する老舗レーベルの〈ESPディスク〉からリリースされたというのが興味深いのだが、内容的にはクレズマーよりもジャズ寄りのもので、ゴスペルやスピリチュアル・ジャズ的な要素が濃いものだった。録音時期は2023年の7月と1年ほど前のものだったが、続いてリリースしたのが最新作の『Brass Conspiracy』である。“Engraftamento” はミスティックなムードのラテン・ジャズ作品で、キップ・ハンラハンの作品に近いイメージを持つ。1980年代にフランク・ロンドンはジャック・ブルースなどと共にキップ・ハンラハンのグループで演奏していたこともあり、そうした時代も彷彿とさせる。一方、“Rube G Funk” はジャズ・ファンクで、大衆音楽であるクレズマーと結びついてジャム・バンド的なセッションを繰り広げる。ジャズとクレズマーのわかりやすい魅力が詰まった演奏と言えるだろう。